平面构成需要什么材料和工具(学好平面设计必备的资料有什么？)

平面构成需要什么材料和工具

针管笔，毛笔，圆规，作图尺，颜料。

平面构成是视觉元素在二次元的平面上，按照美的视觉效果，力学的原理，进行编排和组合，它是以理性和逻辑推理来创造形象、研究形象与形象之间的排列的方法。平面构成一词的出现及作为艺术设计基础课程的引进，的确是中国高等艺术院校艺术设计专业的一个里程碑。平面构成是具有共性的设计语言，已为当今社会各个艺术、设计门类所应用，平面构成与其他应用设计的学科一样，都是为了完善与创造更赋予现代感的设计理论和表现形式。平面构成以一个全新的造型观念，给艺术设计课堂注入了新鲜的血液。高科技的融入，大大的拓展了设计艺术的视觉审美领域，丰富了设计的思维及表现手段。相对于传统的基础图案不光是一个巨大的冲击，曾有一时，大有取代传统基础图案之势，传统基础图案岌岌可危，的确，平面构成的出现也不得不让人对固守已久的传统进行反思。

学好平面设计必备的资料有什么？

首先买一两本《平面构成》《立体构成》《色彩构成》的书琢磨一个月，这可是所有设计必备的基础，那样你以后学会了软件就知道怎么做设计了。好多人以为把PHOTOSHOP、ILLUSTRATOR等软件学会了就成设计了，其实是大错特错了，真正的设计是要先学会平面法则再学软件的，那样就不用走弯路了，软件只是设计的工具罢了。如果你已经有了一些美术基础，建议你去书店或图书馆看一些国外平面设计作品方面的书，那样可以让你大致了解一下这个行业主要做些什么，那样你学起来也会更有目标性，另外如果你的条件比较好自己家有电脑的话，就不必去培训班学了，买30多块钱的教材自己在家练习一样能学会，没有电脑你可以先在培训班学一个初级的把软件弄会就行，其他的再结合自己的领悟力去给别人免费（好的话还又工资）打工去吧，（其实是在积累工作经验）最后你到一定水平就可以跳槽了，祝你好运了！！
学网页设计只要学会Dreamweaver就差不多了，再结合PHOTOSHOP就可以了，当然有了平面设计基础就更容易学了，简直可以无师自通，我就是后来自己学了网页、FLASH和3D，都是靠平面设计打的基础

平面设计几大要素?

平面设计的七大要素如下： 印刷排版印刷排版可以被看作是一门不为人知的艺术，不能因为消费者没有注意到你聪明的版面设计就认为排版是不重要的。有了这些基本字体，你可以传递任何信息。印刷排版是用艺术手段呈现文字的一种方法，是平面造型设计的基础，印刷排版和书面文字的运用在很大程度上是平面造型设计和其他设计，如时装，建筑和产品等不同的地方。在热排版时代，熟练的技术工人会全身投入排版工作，而现在，随着电脑桌面排版系统的诞生，排版工具交到了每个人手中，排版艺术返而渐渐衰退了，但我们必须记住的是排版是一门艺术，不能完全交给电脑来完成，要真正熟练掌握排版艺术往往需要很多年的实践。和许多需要行期的努力追求的东西一样，最初的步骤是至关重要的：对字体的发展历史、设计、技术和词汇作一个基本的了解将有助于为成功的版面设计奠定坚实的基础。字体设计字体发展史最基本的特点是随时代不同而不同：老式的，过渡性的、现代的和数码的，前三种往往可以在视觉上加以分辨，第四种具有无法估量的发展前途，数码设计字体的兴起促进了人们对新型字体设计的尝试。虽然这四种字体设计都有独到之处，它们的基本特点也是显而易见的。
如果你是对设计比较感兴趣，可以看看这个大咖日常的干货分享，挺有帮助的：/r/hXGAgFWgoM?f=cp&u=937917f572cd9927
老式：这一范畴的字体往往有衬线，反映出传统字体设计的特征。请注意字母中倾斜的轴线，这是从古代沿留至今用于镌刻字体的凿子类工具所特有的痕迹。过度性：虽然大多数过渡性字体也有衬线，但字母中粗细线条的反差已不如老式的那样明显，同时字母中的轴线趋于垂直，使字体本身看起来更清晰更具手工绘制的特色现代：进入这一时代，字体设计及其他许多不同种类的设计都趋向清晰简洁，为迎合现代特征，字体设计被简化，衬线逐渐被去除，线条不再有粗细之分，干净利落，更具机械绘制的特点。字体技术和术语随着各种桌面设计系统的出，运用不同规格的字体进行设计已不再需要专业培训，原先对字体处理的专门词汇和技术知识往往被忽略，不幸的是，这种情况发生在原来能确保设计成功的一些最基本的训练之中。掌握大量信息之后熟练运用字体与一般的设计师的字体有很大的差别，最佳设计的效果往往是传统字体设计训练的结果而不是由于掌握最新的流行趋势，以下这些术语以及对它们如何影响各种不同的成功字体的、解释将有助于创造漂亮、易于阅读的字体。点的大小和高度铅字的大小被称为点，每一点相当于1/72英寸，任何字体的点的大小是从字母上长部分顶端到下伸部分端的距离，而字母顶部到底部的距离被称为高度，因为这是视线集中的部位，所以虽然总体上6点的字体比12点的字体更小、更难阅读，但影响可读性的不仅是大小，更重要的是字体的设计。对比对比不仅可以使设计具有视觉吸引力，同时也是帮助传递设计理念的重要组成部分，对比的运用告诉我们先看哪一部分，再看哪一部分。有幸的是，可运用许多不同的方法来达到对比的效果，在这方面，你尽可以发挥你的想像力。外形传递视觉冲击力把平面设计的构图和布局推向极致往往是通过对比进行成功设计的关健，没有视觉上的对比，设计往往陷平庸，迁度使用大小、形状、质地和比例来形成对比是成功设计的一个基本特征。在各元素间建立先后顺序运用对比可以帮助设计作品具备清晰而又有价值的层次感，而层次感是观众接受信息并理解它们的顺序，一旦设计作品吸引了观众的视线，观众以适当的顺序漫游于作品之中，这点是关键的，即他们能理解哪些是最重要的信息，哪些是次要的，等等。对比和第四章将讨论的其他布局手段是设计具有丰富层次感的关健.对比和明暗除了通过建立顺序来达到对比的效果之外,还可以通过明暗对比,即元素的相对明暗来达到同样效果.具最强烈的明暗对比的元素(黑和白是最极端的对比—不同深浅的灰色介于黑和白之间）比明暗差别不大的元素要能占据主导地位。有了这个知识，设计师可以运用明暗对比来使某些元素比其他元素更突出，使设计作品的信息层次更分明。通过色彩形成对比色彩是另一种使设计师能在一幅作品中创造对比效果的相当复杂的工具。虽然对于色彩布局而言，眼睛是最好的裁判，但与画家、设计师和客户交流时如能对色彩达成共识无凝是十分有帮助的。色调、明暗和饱和度是用来说明色彩的三个特性的术语，它们表明色彩的品质，利用它们，可以很好地调整各种色彩在作品中的协调性。色调：色调指每种独特的性质。
明暗：每一种颜色都有明暗之分。 饱和度：饱和度就是颜色的“纯度”或亮度，任何颜色都可沿着饱和度和明暗度是有区别的，如：高饱和度的鲜蓝色可以变成低饱和度的灰蓝色，而不需要加深或变浅，或变成另外一种蓝色调。左边的色彩组合表明两种相当普通的色彩红和绿，是如何通过明暗、饱和度和色调来达到不同的效果的。这些组合不仅从技术的观点看是不同的，更重要的是使人在心中产生不同的文化联想，一种组合可能令人联想到圣诞节，而另一种可能较适用于婴儿的护理院。运用色彩可以为一副作品增添视觉感染力和有价值的信息。成功运用色彩对任何设计师都是一种挑战，通过印刷或重新组合来再现色彩给设计过程增加了技术挑战，电脑屏幕上的色彩基本偏浅，与打印机的色彩不能吻合，同时每台打印机的调试标准都不一样，复制色彩有自己独特的方法。，这里有两个方法可以帮助使最后再现的色彩符合你的设计意图：1：在设计初期就与印刷工交换意见，也许印刷工可以给你一些建议，这样最终的产品能符合设计要求。2：把设计移交给印刷工时，提供一份样本，这样印刷工就有机会直观了解最终产品大致是什么样的，以便在操作中符合设计要求。

学画画必备哪些工具？？？

1、油画使用的工具主要有画架、画板、油画笔、刮刀、刮棒、调色板、调和油等等。

油画工具
用透明的植物油调和颜料，在制作过底子的布、纸、木板等材料上塑造艺术形象的绘画。它起源并发展于欧洲，到近代成为世界性的重要画种。产生15世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画是油画的前身。在运用蛋彩画法的同时，许多画家继续寻找更为理想的调和剂。一般认为，15世纪初期的尼德兰画家凡·爱克兄弟是油画技法的奠基人。他们在前人尝试用油溶解颜料的基础上,用亚麻油和核桃油作为调和剂作画,致使描绘时运笔流畅，颜料在画面上干燥的时间适中，易于作画过程中多次覆盖与修改，形成丰富的色彩层次和光泽度，干透后颜料附着力强，不易剥落和褪色。他们运用新的油画材料创作，在当时的画坛很有影响。油画技术很快在西欧其他国家传开，尤其在意大利的威尼斯得以迅速发展。
材料和工具 油画的主要材料和工具有颜料、画笔、画刀、画布、上光油、外框等。
① 颜料，分矿物质和化学合成两大类。最初的颜料多为矿物质颜料,由手工研磨成细末,作画时才进行调和。近代由工厂成批生产，装入锡管，颜料的种类也不断增加。颜料的性能与其所含的化学成分有关，调色时，化学作用会使有些颜料之间产生不良反应。因而，掌握颜料的性能有助于充分发挥油画技巧并使作品色彩经久不变。
② 画笔，用弹性适中的动物毛制成，有尖锋圆形、平锋扁平形、短锋扁平形及扇形等种类。
③ 画刀，又称调色刀，用富有弹性的薄钢片制成，有尖状、圆状之分，用于在调色板上调匀颜料，不少画家也以刀代笔，直接用刀作画或部分地在画布上形成颜料层面、肌理，增加表现力。
④ 画布，标准的画布，是将亚麻布或帆布紧绷在木质内框上后，用胶或油与白粉掺和并涂刷在布的表面制作而成。一般做成不吸油又具有一定布纹效果的底子，或根据创作需要做成半吸油或完全吸油的底子。布纹的粗细根据画幅的大小而定，也根据作画效果的需要选择。有的画家使用涂过底色的画布，容易形成统一的画面色调,作画时还可不经意地露出底色。经过涂底制作后,不吸油的木板或硬纸板也可以代替画布。
⑤ 上光油，通常在油画完成并干透后罩涂上光油，保持画面的光泽度，防止空气侵蚀和积垢。
⑥ 外框,完整的油画作品包括外框,尤其是写实性较强的油画，外框形成观者对作品视域的界限，使画面显得完整、集中，画中的物象在观者的感觉中朝纵深发展。画框的厚薄、大小依作品内容而定。古典油画的外框多用木料、石膏制成，近现代油画的外框较多用铝合金等金属材料制成
2、水彩画工具：
1、水彩颜料
水彩颜料色粒很细,与水溶解可显示其晶莹透明;把它一层层涂在白纸上,犹如透明的玻璃纸迭落之效果。水彩浅色不能覆盖底色，不象油画、水粉画颜料有较强的覆盖力。 水彩颜料的群青、赭石、士红等色属矿物性颜料，单独使用或与别的色相混都易出现沉淀现象，巧妙运用可产生新颖的效果。
2、画纸
水彩画用纸比较讲究，它对一幅画的效果影响很大，同样的技巧在不同的画纸上的效果是不大一样的。理想的水彩画纸，纸面白净，质地坚实，吸水性适度，着色后纸面比较来整，纸纹的粗细根据表现的需要和个人习惯选择。不要以为初学不管什么纸都可以作水彩练习，太薄的纸着色后高低不平，水色淤积，影响运笔；吸水太快的纸（如过滤纸），水色不易渗化，难以达到表现意图；太光滑的纸水色不易附着纸面，都不适合画水彩之用。应熟悉自己使用的画纸性能物点，善于巧妙地掌握它。
3、画笔
水彩画笔需有一定弹性和含水能力，油画笔太硬且含不住水分，不宜用来画水彩（但有时可以用来追求某种特殊的效果）。狼毫水彩笔、扁头水粉笔、国画白云笔、山水笔等都可用来画水彩。准备一支大号的涂大色块用，具体塑造与细节描绘有两三支中、小画笔即可。
(二）水彩画的特点
水彩画因工具材料的特性、技法与其他画种不同，形成自己的艺术特色，把水彩画比如轻音乐或抒情诗般的轻柔，是比较确切的。
一幅好的水彩画除去内容与感受情的表达深刻之外，给人的感觉是湿润流畅、晶莹透明、轻松活泼，此种感觉就是水彩画的特点。

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