点构图规则具有哪些特点

点构图规则具有哪些特点

点构图规则特点：

1、点最重要的功能在于表明位置和进行聚焦，点与面是比较而形成的，同样一个点，如果布满整个或大面积的平面，它就是面了，如果在一个平面中多次出现，就可以理解为点。

2、点与点之间连接形成线，或者点沿着一定方面规律性的延伸可以成为线，线强调方向和外形。

3、平面上三个以上点的连接可以形成面，同时，平面上线的封闭或者线的展开也可以形成面，面强调形状和面积。

摄影中有哪几种线条构图方式？它们的特点分别是什么？

利用线条，是提高摄影构图的有效方式。只要运用得当，线条可以极大地增强照片的冲击力。
线条会从两方面影响构图。首先，线条有助于产生情绪，给照片增加感情上的内容。第二，线条可以引导观众的视线，使观众的注意力集中在画面上。在处理线条时，有以下几种方式：水平线垂直线对角线锯齿线和不规则线情绪：水平线水平线可以营造一种平衡的情绪（缺少变化）。这种线条通常被用来表达一种画面，或部分画面在那一刻里被凝固住的感觉。当摄影师想表达一种永恒不变的感觉时就可以使用水平线。另外，水平线还可以与具有动感的画面部分形成一种对比。在建筑、地平线及下落的物体中都可以找到例子。情绪：垂直线垂直线可以给画面注入稳定和平静的情绪。产生稳定感时，垂直线与水平线的作用类似，传达一种质感和永恒性。在岩石堆、电线杆、及建筑中都可以找到例子。善用垂直线还可以产生宁静的感觉。比如薄雾笼罩的森林中的树木，草原上古老的栅栏等都是类似的实例。情绪：对角线对角线可以传递动感，也可以让照片更加戏剧性。因此，对角线是一种很有力的工具。这种力量就在于其可以抓住观众的注意力。观众的视线会不由自主地沿着对角线移动。对角线不仅可以是街道、墙边等实体，也可以是色彩。比如，一张花朵的照片中，颜色构成的对角线可以给画面增加戏剧性。对角线的例子举不胜举：道路、河流、波浪、以及树枝等。情绪：锯齿线及不规则线运用锯齿线及不规则线，我们表达情绪和感觉的能力就更上一层楼。对角线带给我们动感，锯齿线和不规则线则令我们感到不安、紧张、或恐惧。过度使用锯齿线和不规则线会带给观众负面感受（也可能是摄影师刻意的）。因此，这是一种摄影师想给观众制造担忧和焦虑时使用的工具。树根、鳄鱼的牙齿、荒秃的山峰、及扭曲的金属残骸等都是实例。引导视线线条在创造情绪上有强大的力量，在引导观众视线上的能力则更强。如此运用线条时，要遵循2点规则。首先，确保线条总是指向画面中最重要的主体。因为要让观众直接注意到那里。第二，确保线条不会指向画面之外。指向画面之外的线条会使观众的目光离开照片。这样会减弱画面的冲击力，甚至让观众对照片失去兴趣。

素描构图的几种类型及特点 结构素描的特点

素描是一种正式的艺术创作，可以用单色线条（也可以用两种或两种以上的颜色）或涂抹成面等方式来表现直观世界中的事物，亦可以表达 思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。素描是其他艺术的必然基础，尤其是水彩，油画，版画，雕刻(浮雕)， 另外对平面设计，也是画草图的必要基础。素描虽然被视为是两度空间 的艺术，不需要颜色及第三维空间，却也同时暗示这两者。形体形态比例的解释：比例通常指物体之间形的大小、宽窄、高低的关系；另外比例也会在构图中用到，例如你在画一幅素描静物就要注意所有静物占用画面的大小关系。在画素描的过程中要想把形画准就要注意比例了。把握比例的几个技巧：1.横着比：当你要画某一个物体的位置时就以此做一条贯穿整个画面的横线，看到所有在这条线上的物体。2.竖着比：做一条贯穿画面的垂线，注意观察所有在这条线上的物体。3.多看物体、少看画面：为的是形成观察的意识，抛弃大脑中的原始概念。看物体5秒，看画面2秒，眼睛要在画面和物体之间反复的观察比较。4.总的说就是放长线、看整体、多比较。把这些想象成经线纬线一样会比较简单；初学者要多画辅助线，等功底深厚了你会发现你画面中的辅助线会越来越少，而你心里假象的辅助线会越来越多。在构图中要注意的比例关系技巧：1.一般被画物占画面百分之八十左右，看上去饱满。关于构图之后会有详细讲解.人物相关比例：1.三庭五眼：发际线-鼻底-下巴为三庭，这三段之间每段的距离大约相等；耳根-外眼角-内眼角-内眼角-外眼角-耳根为五眼，它们之间距离大约相等。2.站七坐五蹲三半：一个站着的成年人身高大约等于他七个头长（站七），当他座上时就等于五个头长（坐五），蹲着时刚好是三个半头长（三头）。3.小孩的头部比例较大，站着时一般为三到四个头高。4.张开双臂，两个中指之间的长度大约等于这个人的身高。5.手臂的长度为两个头长（腋窝-胳膊肘-手腕各位为一个头长）。6.手掌为三分之二头长。7.当举起胳膊时胳膊肘刚好到头顶。8.肩宽为两个头宽。9.脚掌为一个头长。10.男人肩比胯宽，而女人胯比肩宽。还有很多，可以在生活中多总结，多观察。这些都是标准人体比例，可以帮助初学者入门；也是艺术家创作英雄楷模人物绘画雕塑等艺术作品时的指导，例如米开朗基罗的大卫是七个半头高。在现实生活中有形形色色的人，在进行人物素描时就应当个别观察，抓住特征。 形体是客观物像存在于空间的外在形式。任何物像都以其特定的形体存在而区别于其他物。形体属于素描造型的基本依据和不变因素。对形体的认识，我们也可以将其分解为外形和体积两个因素。外形指平面的视觉外像而言;体积指空间的立体体量而言。在素描中这二者既有各自独立的意义和价值，又是相辅相成，不可分离的一对统一体。形是体积的外像，而体积又必须是有形来体现的。所以，我们对形体也可以理解为有体积的形。这就是说，我们对素描造型因素中的形体的认识，要树立起立体空间的观念。任何复杂的形体都可以概括为几种基本的几何形体，这就是：立方体、圆球体、圆柱体、圆锥体。在我们的日常生活中更多的是多种几何形体按不同形式组合而成的物像。我们在观察物像时，应首先注意其整体呈现的基本形。构成物像的基本形不同，则物像的形体特征就会不同。基本形是物像的大关系，把握住对象的基本形，就抓住了其形体特征。而准确地把握物像的形体特征便奠定素描造型的基础。 素描中的形体，主要指物像的外形特征，结构则主要指物像的内部构造和组合关系。形体与结构是外观与内涵的关系。结构是形成物像外貌的内在依据，不了解它，就无法准确把握物像的一系列外表特征。在素描中，结构包含两方面内容：一是解剖结构或构成结构;二是形体结构人体和动物的骨骼、肌肉所构成的解剖关系，是解剖结构。熟悉了解解剖，是人物造型的基础。其他物体的内部构成框架及其构成关系称构成结构，是物像形体的内在依据。绘画中对物体的结构关系的把握，主要在于用面体现其基本形体特征，这样便于理解和把握复杂的结构关系，有利于形象体积的塑造。对结构的这一形体化的概念，我们称为形体结构或几何结构。立体是面的集合体，这是现代绘画表现立体和空间的基本观点。因此，素描中对立体形象的把握通常是从分面开始的，分面是对物像形体的概括，是对结构的分析。面的概括构成了物像的立体框架。圆或接近圆的形体，也可以用概括的面来塑造。方的面更能准确地把握圆的整体关系。所谓造型中宁方勿圆也就是为了概括地、准确地塑造立体形象。 物像的结构、形体等造型因素体现在外观形态上必然同一定的尺度相联系，不同的尺度关系则表现为一定的比例关系。任何物像的形体都是按一定的比例关系连结起来的，比例变了，物像的形状也就变了。因此基本比例的差错，必然导致对结构、形体认识和表现的错误。在素描写生的起始阶段，比例的意义尤其重要，画面形象的准与不准往往是比例关系的正确与否所致。素描中比例的概念还可以指各物像之间的大小比例关；同一物体中局部与整体、局部与局部之间的比例关系；色调的明暗深浅层次的比关系等。对形体比例的观察不应是机械、刻板地比较，应注意立体物像在一定的角度和透视变化中的比例关系。要致意在相互比较中抓住物像的比关系，特别是大的、整体形象的比例关系，而不应停留在局部去过分计较烦琐细节的比例。初学绘画可借助工具测量的方法去求得基本比例的准确，随着观察能力的提高，应逐步抛弃这种方法，着重凭感觉、眼力、比较，训练观察能力的准确。 透视有三种：平行透视、成角透视、散点透视．1、平行透视：平行透视也叫一点透视，即物体向视平线上某一点消失．2、成角透视：成角透视也叫二点透视，即物体向视平线上某二点消失．3、散点透视：散点透视也叫多点透视，即不同物体有不同的消失点，这种透视法在中国画中比较常见． 透视在绘画中应注意的一些特性1、近大远小：近大远小是视觉自然现象，正确利用这种性质有利於表现物体的纵深感和体积感，从而在二维的画面上来表现出三维的体积空间．2、近实远虚：由於视觉的原因，近处的物体感觉会更清晰，而远处的物体感觉会有些模糊，这一现象在绘画中也经常用来表现物体的纵深感．事实上，在绘画过程中，往往会对近实远虚更加以强调．（另外应注意的是：并非在所有的绘画过程中都遵守近实远虚这一规则，在一幅作品中主与次的关系往往更为重要，主体物的实和次体物的虚是更好的视觉导向，这也是艺术优於现实的取舍和区别．）素描的透视 “透视”一词来自拉丁文“Perspicere”意思是“透而视之”，是在画者和景物之间竖起一块透明平面，景物形状通过聚向画者眼睛的锥形视线映在玻璃板上，使三维景物的形状落在二维平面上，即可产生透视图形。要使画中景物产生立体感和空间距离感，通常通过以下几种方法来实现：1、图形相互叠加的方法，完整的在前面，被遮挡的在后面；2、阴影表现的方法，即通过光影的明暗来表现出物体的形状也可以表达物体的前后关系；3、通过色彩的关系来表现，即由于大气透视的效果，越远的物体其色彩中某种色调的比例越高；4、也可以通过明暗对比和细节的清晰来表现。我们平常所说的透视，是用“线”表达物体轮廓的透视变形，称为“线透视”。关于线透视的研究发源于希腊，距今已有半个多世纪的历史，现已形成了完备的理论体系和准确的作图方法。透视学产生后不久就与解剖学一起成为该时代艺术的两大支柱，是建筑类、美术类和设计类学习者认识和理解客观世界的方法和手段，也可以作为描绘想象世界的准则。透视学的教学内容非常繁杂，包括平行透视、成角透视、圆透视、阴影透视、投影透视等几个大项。达芬奇将透视分为色彩透视、消逝透视和线透视，其中最常用的是线透视。眼、物、画面，被称为构成透视全过程中不可缺一的三要素。 ① 与画面平行又与地面平行的，可称为水平原线。② 与画面平行而与地面垂直的，可称为垂直原线。③ 与画面平行而与地面倾斜的，可称为倾斜原线。④ 与地面平行而与画面垂直的，可称为直角变线。它们从四面八方一致向中间的心点集中，非常有规律。⑤ 与地面平行而与画面倾斜45°角时，可称为对角变线（因为45°线适为一个正方形的对角线）。对角变线的灭点是左右两个距点。⑥ 与地面平行，与画面倾斜90°和45°以外其余角度的，统称为余角变线。余角变线的灭点是余点。⑦ 与画面和地面都倾斜而呈近低远高状况的，称为上斜变线。如房顶的近端坡面，它的左右两条向上倾斜的边线即属于此类。灭点在地平线以上的天空，叫做天点。⑧ 与画面和地面都倾斜而呈近高远低状况的，称为下斜变线。灭点在地平线以下，叫做地点。 平行透视中视点在画面上的投影是透视图中的灭点位置，灭点被定义为一组平行变线（与画面不平行的直线为变线）在画面上的交点，位置是视点引出一条平行于这组变线的直线与画 面的交点。灭点的个数和位置并不是画透视图前凭空定义的，而是由视点和被画物体之间的关系决定的。有几组变线就有几个灭点，每组变线的灭点的位置就是经视点引出一条平行于这组变线的直线与画面的交点。“平行透视”描绘的是一组变线的透视图，以心点为唯一灭点构图。在取景时，将建筑物作为平行透视构图处理，容易在画面上取得平稳、安定、端庄、宁静、和谐的感觉。许多名作都采用了这种“静”的形式，或是助长宁静安详的内容（如霍贝玛的《树间村道》、阿历克谢叶夫的《画室》）或是反衬寓动于静的气氛（如达·芬奇的《最后的晚餐》）、列宾的《意外的归来》）。以距点或余点为主要灭点的构图形式，即“成角透视”。由于成角透视的变线都分别向左右两个余点集中，画面产生的视觉效果就不像平行透视那样单纯宁静而具有较大的运动感，因而容易收到生动、活泼的构图效果。 把以上八种直线的透视变化，通过画面的“五点一线”，总结归纳出来，并化作熟练技巧。五点虽各有自己的位置变化，但只要掌握住它们与地平线的密切关系，一切就可迎刃而解。因为五个灭点中有三个——心点、距点、余点——都是平行于地面的变线所集中的点，故而它们都在地平线上。不与地面平行的倾斜变线所集中的天点和地点，也与地平线紧密相关。除它俩分别在地平线以上或以下外，它们的“底迹”仍属水平变线，仍然消失在地平线上。所以，找灭点或地点的确切位置，只需先找到它的底迹的灭点（如找屋顶斜面消失的灭点或地点，先找到构筑屋顶的山墙的灭点），不外乎是心点、距点或余点，灭点或地点准在它们之一的垂直线上。 明暗是素描的基本要素之一，是描绘物像立体与空间效果的重要因素。任何物体在光的照射下都会呈现一定的明暗关系。光源的强弱，距离光源的远近及照射角度的不同，都会使物像呈现不同的明暗。光是物体明暗形成的先决条件，也是物体明暗变化的外在因素。物体在一定角度的光照下，会产生受光部分和背光部分两个既相互对比，又相互联系的明暗系统。物体的明暗层次可概括为三个大面,五大调子，它们以一定的色阶关系联结成一个统一的整体，这就是明暗变化的基本规律。在一定的光线下，明暗变化是由形体的机构起伏、转折而产生的。因此，明暗在任何时候都只属于特定的形体结构，回明暗的调子变化也就是在表现结构的起伏转折变化。结构是内在的、本质的因素，明暗是外在的，表象的形式;形体结构需要通过明暗来表现，而明暗关系中又处处体现着内在的形体起伏和结构变化。明暗除了表现形象的立体感，在画面中更是表现整体空间效果的主要因素，明暗的层次处理及虚实、强弱的对比作用，是表现前后五项空间关系和整体气氛的基本手段。

构图中最重要的基本法则是什么?

我也是从事艺术这玩意的，以下是我个人见解，
构图基本法则只有一个--就是美感!
可以说，构图没有美感的画面一定不是好的画面。
但是，美感何来啊?
可以说，美感这东西不是数学算式，一是一，二是二。
不同的人和地域有不同的美感要求，有些人的美感要求甚至是相反的(就像唐朝美女以丰盈为美，现代妇女以苗条为美等)。
扯远了一点，不过按中国现代基础美术通用的“构图法则”来说--
构图的所谓美感常见的有以下几点:
1。以曲为美，直则无态。构图要有曲折婉转之意，达到类似峰回路转的效果，有类似文学方面的所谓“文似看山不喜平”--就如现在中学艺考生都头疼的美术高考一样--什么所谓的L形构图啦，、所谓的S形构图啦之类的等等。
另外，要注意，这种以曲为美的方式中，在人人向往(虽然这种向往是比较艰苦)的高考中最常用的是均衡式构图，就如上面提到什么L、S形状构图，还有的是什么对角线构图、弧线构图等等，
这种所谓的“均衡式构图”最适宜表现动态美感的题材。
2。以庄重制造和谐，写就对称之美。这种思维与“以曲为美”有些相反，就像现代那些表现英雄主义题材的电影一样--主角位于面面中心，配角位于主角两边，起平衡之用，均匀分割底形。对称式构图一般适用于表现静态美感和庄重美感。
而所谓的对称构图的变化模式常见的有:
平衡式构图、金字塔式构图、放射式构图等等。
如果有必要再相互讨论,或者还有什么其他问题要切磋的话，就麻烦你给我ID发消息吧!,
就说到这里，望接纳。

平面设计有哪些构图原则?

一,清晰与肯定性
用点,线,面交织绘制的各种商品的墨稿,制版印刷的效果一般黑白照片要清晰,肯定.
二,趣味性
特别是运用夸张,变形的漫画,卡通,有故事性的连环组画形式,表现科学幻想世界,太空景观,童话与神话故事等等,将这些所谓"超现实"的理想境界描绘得逼真迷人,容易引起男女老幼共有的阅读兴趣.
三,资料性
深刻地剖视,透视表现,虽然照片也可表现某些商品<如水果,蔬菜>剖视的效果,但毕况没有插画表现来得自如和深刻,各种商品如生活用品,生产资料等,均可以用插画形式表现其解剖,切面(纵断面与横断面和肉眼看汪到的内部组织结构).
平面艺术只能在有限的篇幅内与读者接触,这就要求版面表现必需单纯,简洁.对过去那种填鸭式的,含意复杂的版面形式,人们早已不屑一顾了.实际上强调单纯,简单,并不是单调,简单,而是信息的浓缩处理,内容的精炼表达,它是建立于新颖独特的艺术构思上.因此,版面的单纯化,既包括诉求内容的规划与提炼,又涉及到版面形式的构成技巧.
1,艺术性与装饰性
为了使排版设计更好地为版面内容服务,寻求合乎情理的版面视觉语言则显得非常重要,也是达到最佳诉求的体现,构思立意是设计的第一步,也是设计作品中所进行的思维活动.主题明确后,版面构图布局和表现形式等则成为版面设计艺术的核心,也是一个艰难的创作的过程,怎样才能达到意新,形美,变化而又统一,并且有审美情趣,这就要取决于设计者文化的涵养.所以说,排版设计是对设计者的思想境界,艺术修养,技术知识的全面检验.版面的装饰因素是由文字,图形,色彩等通过点,线,面的组合与排列构成的,并采用夸张,比喻,象征的手法来体现视觉效果,既美化了版面.又提高了传达信息的功能,装饰是运用审美特征构造出来的,不同类型的版面的信息,具有不同方式的装饰形式,它不仅起着排除其它,突出版面信息的作用,而且又能使读者从中获得美的享受.
2.趣味与独创性
排版设计中的趣味性,主要是指形式的情趣,这是一种活泼性的版面视觉语言.如果版面本无多少精彩的内容,就要靠制造趣味取胜,这也是在构思中调动了艺术手段所起的作用.版面充满趣味,使传媒信息如虎添翼,起到了画龙点睛的传神功力,从而更吸引人,打动人,趣味可采用寓意,幽默和抒情等表现手法来获得.独创性原则实质上是空出个性化特征的原则,鲜明的个性,是排版设计的创意灵魂,试想,一个版面多是单一化与概念化的大同小异,人云亦云,可想而知,它的记忆度有多少,更谈不上出奇制胜,因此,要敢于思考,敢于别出心裁,敢于独树一帜,在排版设计中多一点个性而少一些共性,多一点独创性而少一点一般性,才能赢得消费者的青睐.
3.整体性与协调性
排版设计是传媒信息的桥梁,所追求的完美形式必须符合主题的思想内容,这是排版设计的要基,只讲表现形式而忽略内容,或只求内容而缺乏艺术表现.版面都是不成功的,只有把形式与内容合理地统一,强化整体布局,才能取得版面构成中独特的社会和艺术价值,才能解决设计应说什么,对谁说和怎样说的问题.强调版面的协调性原则,也就是强化版式面各种编排要素在版面中的结构以及色彩上的关联性,通过版面的文,图间的整体组合与协调性的编排,使版面具有秩序美,条理美,从而获得更好的视觉效果.

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